2004年3月6日に公開の映画「イノセンス」を今すぐ視聴できる動画配信サービス（VOD）を徹底紹介。この記事では「イノセンス」のあらすじやキャスト・声優、スタッフ、主題歌の情報はもちろん、実際に見た人の感想やレビューもまとめています。
イノセンスが視聴できる動画配信サービス
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イノセンスのあらすじ
2032年の日本を舞台に、人間とサイボーグ、ロボットが共存する未来社会を描く。魂が薄れつつある時代、少女型の愛玩ロボットが暴走して所有者を惨殺する謎の事件が起きる。「人間のために作られたはずのロボットが、なぜ人間を襲ったのか」。捜査を開始したバトーは、相棒のトグサとともに事件の背後を追う。高度な電脳ネットワークを駆使し、自分の脳を狙う謎のハッカーの妨害に翻弄されながらも、真相へと迫っていく。）
イノセンスの詳細情報
「イノセンス」の制作会社や監督、キャスト、主題歌アーティストなどの作品に関する詳しい情報をまとめています。作品づくりに携わったスタッフや声優陣をチェックして、より深く物語の世界を楽しみましょう。
イノセンスの楽曲
「イノセンス」の主題歌や挿入歌、サウンドトラックを紹介します。映像だけでなく音楽からも作品の世界を感じてみましょう。
- サウンドトラックイノセンス O.S.T.Kenji Kawai
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イノセンスを無料で見る方法は？
「イノセンス」を無料で視聴するなら、「U-NEXT」「DMM TV」などの無料トライアル期間を活用するのがおすすめです。
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イノセンスのよくある質問
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Q映画『イノセンス』のあらすじはどのようなものですか？
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A
『イノセンス』は、公安9課のバトーが、行動を制御できなくなった人形型ロボットに関する事件を追う物語です。人間と機械の境界が曖昧になる未来社会を舞台に、彼の相棒であるトグサと共に、人形ロボットの背後に潜む陰謀を解明していきます。
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Q『イノセンス』でのバトーとトグサの関係性はどのように描かれていますか？
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A
『イノセンス』では、バトーとトグサのプロフェッショナルな関係が強調されています。技術に精通したサイボーグであるバトーと、家族を大切にするトグサは対照的な存在ですが、互いの長所を補完し合いながら事件を解決していきます。
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Q映画『イノセンス』のテーマやメッセージは何ですか？
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A
『イノセンス』は、人間と機械の境界、生と死、魂の所在について深く探求するテーマを持っています。技術の進化によって曖昧になっていく人間性と、それに伴う倫理的課題を描き出しています。
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Q『イノセンス』の制作スタッフについて知りたいです。
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A
『イノセンス』の監督は押井守で、脚本も彼が担当しています。視覚表現にはこだわりがあり、美術監督は竹村一行です。また、音楽は川井憲次が担当しており、映画の雰囲気を効果的に高めています。
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Q『イノセンス』は原作とどのような違いがありますか？
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A
『イノセンス』は士郎正宗のマンガ『攻殻機動隊』が原作ですが、映画ではビジュアルやテーマがより深化されています。特に哲学的な要素が強調されており、原作との細かな違いを楽しむことができます。
イノセンスの感想＆レビュー
前作を観て、「義体」や「ゴーストハック」といった「公安9課」や「攻殻機動隊」の世界に慣れたものの、小難しいセリフには少し戸惑いを感じる。また、草薙素子が奥に引っ込んでしまったことで、作品のエネルギーが減少してしまったのは否定できない。そして、「公安9課」の事件解決日誌のようになっているため、前作のような緊張感は薄れてしまった。#イノセンス
映像が非常に美しい。
ストーリーは複雑で理解しづらいが、なんとなく楽しむことができる。
多く登場する哲学的な表現が興味を引く。
全体として音楽は不気味で、不安感を掻き立てられる。
2004年の記録用映像は驚くほど素晴らしく、100年後にも語り継がれる価値があると思う。しかし、その内容は聖書やブッダ、孔子などさまざまな引用が多いため、初めて見る人には理解が難しい。解説を見ながら数回見ることで徐々に把握していくスタイルだ。テーマは、人間がなぜ人間に似た人形を作り続けるのか、また人間と機械を隔てる自我とは何かという問いである。人間は認識の限界や葛藤を抱える不完全な存在でありながら、すべてを知る神や、純粋に物事を捉えられる子供や動物を優れた存在と見なしている。
外部記憶のように話すスタイルが大好きです。
それに、チャイナらしい雰囲気の街並みも本当に好きです。
この『イノセンス』（2004年）と前作『GHOST IN THE SHELL／攻殻機動隊』（1995年）との間には、9年という時間以上の隔たりを感じさせる要素がある。技術革新以上に、語り手・押井守の内的な声の変化が影響しているのかもしれず、それがモチーフとしての「GHOST」（魂）の行方にも深く関わってくる。
優れた作品や語り手に共通する特徴として、内なる声と外の声が混ざり合わずに語られ、やがて内なる声が外界の声と響きあいつつ再び内へ浸透していく経路がある、という見方がある（『ニュー・シネマ・パラダイス』の論点を参照することが多い）。しかし本作には、それとほぼ並走するような並行性の感覚があり、二つの声が交わるのではなく平行して進む印象を受ける。
身体論の視点から語られた『GHOST IN THE SHELL』に対して、本作で扱われるテーマは「生物と無生物の境界」という観点だと感じられる。
これは思索的には重要なテーマであり得るものの、物語としての核としてはほとんど機能していないといえる。境界を模索しても、生物側で観客の心を強く動かす要素は乏しく、登場人物が感傷的または思索的にこのテーマへ言及する場面に接しても、筆者の心は動かなかった。
ただ一つだけ道筋があるとすれば、それは無生物だと思われていた存在が生物として機能している描写にほかならない。『GHOST IN THE SHELL』では、広大なネットの海から自然発生的に知性を生み出すプロジェクト2501（通称：人形使い）という経路が描かれていたが、本作ではラストで明かされるロクス・ソルス社による「ゴーストダビング」の描写によって、その経路は遮断される。
その結果、作品の内側で語られた無生物の生物側の動揺と、外側で語られた無生物によって照らし返される生物の無根拠さとが、往復関係を持たないまま平行線をたどることになる。
当時の最新テクノロジーを駆使した描写は現在ではさほど大きな感動を呼ばず、むしろ1995年公開の、比較的古い技術による『GHOST IN THE SHELL』のほうが感動を喚起する理由が、そこにあるのかもしれない。
このことは、映画監督としての押井守自身の「GHOST」が、どこか見失われてしまっている印象を筆者にもたらす。情熱は確かにあるが、魂はロマンの根拠を見失っている。劇中であふれるように用いられる箴言の数々も、このことを端的に物語っているように感じられる。意味ありげに用いられるこれらの言葉には、ほとんど意味も力も感じられない。
しかし一方で、こうしたロマン（GHOST）の喪失の仕方には、筆者には非常に興味深い面もある。それは、飽きや腐敗によるものではなく、押井守が抱えるロマンが必然として見失われていくのだと捉えられるからだ。
3D技術の進化で作画はさらに圧倒的に仕上がっている。しかし、これは一体どういうことなのか、何が起きて何を成したのか。前作より難易度は格段に上がっているようだ。電脳化した自分は人間なのか、それともロボットなのか。魂とは何なのかその難題を問いかけずにはいられない。いや、むしろその何なのかの核心を伝えたいのかもしれない。
魂はどこに宿り、どうして今ここで生きているのか。気になる問いだ。もしかしたら仮想世界で生きているのだろうか、マトリックスのように。こうして脳で考えたことを伝え、腕を動かして文字を打っている。僕は一体、どうやってそれを実現しているのか。
押井守による「GHOST IN THE SHELL / 攻殻機動隊」の続編。監督・脚本は押井守が担当し、制作はProduction I.Gです。日比谷映画での上映。
ひたすらバトーの哀愁に浸る100分。
攻殻シリーズは常に不気味や悪趣味という言葉が頭をよぎるけれど、作中の「人間が人形を不気味に感じるのは、その人形が人間らしさを持っているから（要約）」という言葉が印象に残った。
『Ghost in The Shell』の続編を観ることにしました。
CG表現に少し戸惑いましたが、声優陣は前作と同じなので徐々に馴染んできました。
ただ、前作同様にストーリーが複雑で理解しきれませんでした。
再度観る必要がありそうですが、その前に『SAC』をもう一度観るつもりです。
雰囲気は抜群にかっこいいのに、何を言っているのかさっぱり分からない。
うーん。前作のアニメーションが素晴らしかったので、どうしても見劣りを感じてしまう。
ストーリーは相変わらず難解で、主要な事件がさまざまな組織や人物と絡むため理解が難しい。さらに哲学的なテーマが加わると、もう手がつけられない
とはいえ、前作も同様だったので気にしてはいないが、アニメーションがほぼCGに依存してしまっているのが残念でならない
それでも、犬はとても可愛かった
独自の世界観や雰囲気が素晴らしい！
20年前の作品とは思えないほどの映像と音楽があり、非常に緻密に作られていてマニアックかつレトロな魅力が色あせません。
昔の作品は時間が経つにつれて一層魅力を増すように感じます。
日本の旧車が世界中で人気があるのと同じように、特化して作り込まれた作品は常に魅力的です。
比喩表現は難解だが、緻密な描写と世界観はさすがの押井守作品だ。
本作は、作者の思想を深く構築する要素のひとつとして位置づけられる作品だ。前作と異なる雰囲気の中、セル画とCGを織り交ぜた重厚な映像表現が特徴となっている。展開や演出もより深みと奥行きを増している。
引用が多く、聖書・古典文学・評論・諺など引用元は多岐にわたる。この高頻度の引用セリフは初見では難解に感じられることがあるが、基本は場面・状況に即した比喩として機能している。
ストーリーは、暴走して人間を次々と殺害したガイノイドシリーズの系譜を辿り、製作企業の闇を暴く展開だ。しかし本作の真髄は、その中で浮かび上がる「人間」と「人形」（ロボット）についての問いにある。
「外見上は生きているように見えるものが、本当に生きているのかどうかという疑問。その逆に、生命のないものがひょっとして生きているのではないかという疑問」ーキムー
電脳化と義体化が進む未来では、ゴーストを宿さない人間と、ゴーストを宿した人形という存在が外見での区別を意味を失わせる。つまり、外見だけは人間に見える者に魂がなく、見た目には機械の存在に実は魂が宿る、そんな現象が日常的に起こり得るのだ。
「18世紀の人間機械論は、電脳化と義体化の技術によって再び蘇った。記憶の外部化を可能にしたときから、人間は生物としての機能の限界を押し広げるべく、積極的に自らを機械化し続けた」ーキムー
ボディは機械と化し、修理や修復の対象になる。脳や記憶といったブラックボックスさえも電脳化によって機械的に扱われるようになった。だけどボディだけでなく記憶さえも機械的に改変できるならば、「私」とは、ゴーストとは、いったい何をもって定義すべきなのだろうか。
「人間もまた生命という夢を織り成す素材に過ぎない。夢も知覚も、いや、ゴーストさえも、均一なマトリクスに生じた裂け目や歪みなのだとしたら」ーキムー
「均一なるマトリクスの裂け目の向こう。広大なネットのどこか。その全ての領域に融合して。自分が生きた証を求めたいんなら、その道はゴーストの数だけあんのさ」ーバトーー
「私」を「私」たらしめるゴースト。それすらも情報としての情報のなかで存在するある種の変異体にすぎないのか。もしくは、自己を通してのこのネットの海こそがゴーストなのだろうか。
「鳥の血に悲しめど魚の血に悲しまず。声あるものは幸いなり」ー少佐ー（「緑雨警語」斎藤緑雨 より)
ゴーストを通しての声こそが、「私」のための最後の砦なのかもしれない。
様々なシリーズを観た中で、これが一番理解できなかった。何を言っているのかさっぱりわからず、イヤホンを使えばよかったのかな？
少佐が登場してからは面白くなった。
犬の耳を守ってあげるのがかわいい。
最近、改めて観直した。原作の文脈を離れ、完全に監督の世界観が支配しているのは構わないが、伝えたい意図が伝わりにくいと感じる。登場人物が自らの役割を演じることを半ば放棄したかのように、断片的にテーマだけを語る独特の作風は、正直いささか突出している印象だ。テーマだけを眺めれば原作のスケール感を大幅に縮小したようにも映り、前作のトンデモSF的な世界観の一部に監督自身の影響が混ざった、いわば二次創作寄りのオリジナル性なのではという気もする。前作の設定を途中で忘れているかのようにゴーストの存在を疑わせる退廃的で停滞した世界観、機械や荒廃を連想させる無彩色と黄色の組み合わせが非常に美しく映える。とはいえ、原作からクールかつドラマティックに再構成された攻殻機動隊映画の続編としては、どうしても違和感が残る。いっそ完全オリジナルとして作っていればよかった気もするが、それだと予算が下りなかったのだろう。