1953年11月3日に公開の映画「東京物語」を今すぐ視聴できる動画配信サービス（VOD）を徹底紹介。この記事では「東京物語」のあらすじやキャスト・声優、スタッフ、主題歌の情報はもちろん、実際に見た人の感想やレビューもまとめています。
東京物語が視聴できる動画配信サービス
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東京物語のあらすじ
上京した両親を煩わしい存在と見る子供たち。そんな中、温かな心で老親を支える義理の娘。家族の中でも感じる心の距離の切なさと、血の繋がりを超えた真摯な想いが描かれ、人間関係の深さに心が震える。これは、映画史に名を刻む傑作である。
東京物語の詳細情報
「東京物語」の制作会社や監督、キャスト、主題歌アーティストなどの作品に関する詳しい情報をまとめています。作品づくりに携わったスタッフや声優陣をチェックして、より深く物語の世界を楽しみましょう。
東京物語の楽曲
「東京物語」の主題歌や挿入歌、サウンドトラックを紹介します。映像だけでなく音楽からも作品の世界を感じてみましょう。
- サウンドトラック東京物語・彼岸花・お早よう・秋日和・秋刀魚の味 (オリジナル・サウンドトラック)斎藤高順
東京物語を見るのにおすすめの動画配信サービス
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東京物語を無料で見る方法は？
「東京物語」を視聴するなら、「U-NEXT」「Prime Video」「Lemino」などの無料トライアル期間を活用するのがおすすめです。
「Dailymotion」「Pandora」「9tsu」「Torrent」などの動画共有サイトで無料視聴するのは避けましょう。これらのサイトには、著作権者の許可なく違法にアップロードされた動画が多く存在し、利用者側も処罰の対象となる可能性があります。
東京物語のよくある質問
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Q映画『東京物語』のあらすじはどのようなものですか？
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A
『東京物語』は、老夫婦が田舎から東京の子供たちを訪れるストーリーです。都会での生活にそれぞれの問題を抱える子供たちとの再会を通じて、家族の絆や世代間の価値観の違いが描かれます。監督は小津安二郎で、1953年に公開されました。
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Q『東京物語』に登場する主要なキャラクターは誰ですか？
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A
『東京物語』の主要なキャラクターは、老夫婦の平山周吉ととみ、その子供たちである清三や志げ、そして元嫁の紀子です。紀子役を演じた原節子の演技が特に評価されています。
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Q映画『東京物語』のテーマは何ですか？
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A
小津安二郎監督の『東京物語』は、世代間のギャップや家族のあり方について深く探求する作品です。親子の関係や時間の流れ、社会の変化がテーマとして描かれています。
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Q『東京物語』はどのように評価されていますか？
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A
『東京物語』は、公開以来、国内外で高い評価を受けています。多くの映画批評家や監督が歴史上最も優れた映画の一つとして挙げ、アカデミー名誉賞を受賞した他、多くの名誉あるリストに掲載されています。
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Q『東京物語』の制作面での特徴は何ですか？
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A
『東京物語』は、小津安二郎の特徴でもあるローアングルのカメラワークや静止した映像美が際立っています。また、音楽には重厚感を持たせつつもシンプルさを大切にしており、その効果音の使い方も独特です。
東京物語の感想・評価
人の気持ちは昔も今も変わらないと実感する。
最後の時計のシーンには、思わず涙がこみ上げてしまった。
おお。思った以上に面白く、素直に良かったです。
地味に見える作品かもしれませんが、じっくり味わえる仕上がりでした。とくにこの作品（というか小津安二郎監督のほかの作品もそうなのかもしれませんが）、本当に大人の映画だと感じます。陳腐な表現かもしれませんが、自分が抱く大人らしさと作品の空気がしっかり呼応しているからでしょう。
私が子どもと大人の違いだと考えるのは、興味関心の比重が自己か周囲かのバランスにある、という点です。子どもは自分自身への関心が強く、自我が膨らみ、些細なことで悩んでしまう。一方で大人は周囲への関心を持ち、他者を観察し、これまで積み重ねてきた経験則をもとに相手の心情を慮ることができる存在だと考えています。
この作品は、派手な事件が起こるわけでもなく、分かりやすい感情の起伏が表れるわけでもありません。むしろ淡々とした日常と静かな会話を描いているだけのようでいて
しかしその会話には圧倒的な力があります。我々が大人としてこの発言の裏にはどんな感情があるのかと想像力を働かせるとき、表面には現れない強いエモーションや、発言を引き出す背景となる状況が、驚くほどの説得力と迫力で伝わってくるのです。会話の奥に潜む情報量が、実に大きいのです。
私自身、この作品を楽しんで観ることができましたが、年を重ねて再見すれば、また別の含蓄を味わえるはずだと確信しています。ぜったい再チャレンジしたい。
というわけで、良い作品でした。小津作品はまだ多く観ていないので、これを機に少しずつ観ていこうと思います。
傑作だった。小津作品に見られる人情が心に響く。ローアングルで静かに示される人間の残酷さと優しさが印象的だ。何気ない会話や沈黙の中に、親と子の立場の違いが巧みに表現されている。#レン25
無性に見たくなった小津の映画。
映画的な出来事はほとんどないけれど、それが魅力でもある。
日本人の懐かしくも普遍的な姿を捉えた名作です。
原節子は本当に淑やかで美しい女性ですね。
広島から東京へ行くのに丸一日かかった時代と比べれば、今はすべてが進化していますが、親が子を心配する姿や、大切に思いながらも少し無頓着になってしまう子どもの様子は、普遍的な日本人の姿かもしれません。
じっくり楽しめる、熱燗のような良い映画です。
ベルリンの小津安二郎について。予想はしていたが、案の定まったく心を動かされなかった。映像表現自体は教科書を超える圧倒的な瞬間があり、学ぶべき点も多い。しかしそれを脇に置いても、何が人の心を動かすのか納得がいかない。途中からは勉強ばかりしていたせいか眠くなる場面も。小津はまだほとんど観ていないが、好きなのは初期の20年代の短編くらいだ。ジャパン特集ということで一本だけ観たが、ラインナップはどうにもピンとこない。どこか胡散臭さを感じる。こういうときは溝口や成瀬にも取り上げてほしいと、切実に思う。むしろそっちの方が面白くて素晴らしいと感じるのだが、私の嗜好はそういう方向なのだろうか。
カメラワークの巧みさに驚かされ、ラストで本音を暴露する場面が特に印象的だった。
子どもからの冷たさは本当に辛かった。父親も心の中で葛藤を抱えているようだが、子ども時代の経験から穏やかさを保っているのだろうか。喪服の件は適切だったが、どこか冷たい印象を受けた。愛によって使わず喜べるのも素晴らしいが、その期待感が嫌だと感じる家庭もある。だからこそ、紀子との間には違いがあるのかもしれない。「孝行したい自分に親はなし」という言葉が心に響いた。
家族の絆、老い、孤独を非常にリアルに描いていた。
親子の関係は、長女や長男のようにあっさりしているが、その本質には納得できた。しかし、紀子のようなキャラクターには現実味を感じなかった。
違和感があったのは、登場人物がカメラを正面に向かって話すことで、まるで映画のキャラクターと対話しているような没入感を得ていたからだ。紀子が最後のセリフを発することで、映画であることを再認識させてくれた。
現実には存在しない紀子のおかげで、映画という美しい形で物語を消化することができ、感情を揺さぶられる。
紀子がいなければ、この作品はただ残酷で悲しみが募るものとなり、観た人はこの世界で長く生きたいとは思わないだろう。
小津安二郎の「東京物語」（1953年）を観ました。名作と評判でしたが、これまで見逃していました。近くの映画館で上映されていたため、ようやく鑑賞することができました。年齢を重ねてから観ることで、より一層深く感じることができる作品だと思います。
【雑感】
テーマは家父長制の終焉でしょうか？
簡潔で印象的なセリフがあり、会話劇としても非常に優れています。
49歳の笠智衆は、見事に老けた役を演じています。
カメラアングルはローアングルではなく、ローポジションで、役者はほぼ正面を向いて話すシーンが特徴的で、非常に緻密な画面構成が印象的です。
小津安二郎の作品に触れることができて、嬉しく思っています。
刺さる。
幼い頃から、私は老人の寂しさを感じることが多く、それはこういうことだったのかと自問してきた。役割を終えた親は、どこか儚さをまとい、未来をどう描いて生きているのか分からずにいる。人は自立して自分の生活を優先していく一方で、年を重ねると社会が変貌していくのを目の当たりにする。会話や服装、価値観、仕事いろんなものが離れていき、次第に違和感が増し、彼らはときに邪魔者のように感じられてしまう。
実際、大学生活が始まってから祖父母に会う機会は減った。新しい価値観や成長する自分のテンポに合わせ、古い感覚は居心地が悪く、話す機会を自ら避けてしまうこともある。悪いことではないのだが、どこか寂しさは残る。理想の人間は優しさを持つはずなのに、葬式の席へ来たのに死んでいなかったのかと自問する自分が怖い。私はそんな無情になりたくない。この冷たい世界の中でも、人間の美しい部分を少しでも残して生きたい。
そう考えると、小津安二郎の普遍的テーマや一時代の崩壊、そして独創的な構成美こそ、映画という芸術を最高点へと押し上げている。完璧主義的で緻密な画面づくり、モノの配置、固定されたカメラワーク、日常がひたすら流れ続けることで、時間そのものの美を表現している。しかし個人的には映像美そのものより、そこに込められた意味に惹かれる。もちろん、小津は映像によって意味を伝えることもできるし、形式美を極める点ではタルコフスキーが、ヒューマニズムという点では黒澤明が魅力的だと感じることもある。坂口安吾は美について次のように語っている。
「すべては、本質の問題だ。美のための美は素直ではなく、結局、本物ではない。言ってみれば空虚なのだ。そうして、空っぽの虚しいものは、その真実のものによって人を打つことは決してなく、結局のところ、あってもなくても構わない代物なのだ。」
傑作すぎて言葉が出ないけど、とりあえずあのおばあちゃんが恋しくなるってことだけ伝えておく
劇的な出来事があるわけではなく、ある家族の喪失が静かに描かれている。
愛がなかったわけではなく、大人になるにつれて依存するものが変わっていっただけなのだが、この家族という共同体の緩やかな崩壊は、決して他人事ではないという切迫感があった。
この傑作が視聴者に強い当事者意識を抱かせるのは、プロットの巧妙さによるものであり、俳優陣の目線もまた重要な要素だと感じられる。
この映画を思い返すと、あの俳優たちの視線がこちら側を見透かすように感じられるのだ。
世の中にはいやなことが多く、時間の流れは我々に無頓着で暴力的だが、それゆえに、今ここにあるものや過ぎ去ったものを大切に思わずにはいられない。
小津安二郎の作品を初めて鑑賞。日本の中流階級の家庭を舞台に、親子のつながりと死を静かに描き出す。派手さはなく、平凡で淡々とした語り口だが、登場人物の温かさと家族の絆が心に染みる。とりわけ、原節子と末の娘のラスト近くの会話が印象的。子どもは大人へと成長する過程で親から離れていき、それぞれの生活へと歩み出すそんな現実を、静かな筆致で見つめている。
親孝行をめぐる70年前の作品。作者は、今よりもっと親を大切にするべきだと信じていた。滅多に上京しない両親が現れるにもかかわらず、実子の長男と長女は初めのうちだけであとは放置。旅のプレゼントとして宿を取るが、旅館は他の客の宴会で深夜まで賑わい、部屋まで騒音が漏れて眠れない。体のいい厄介払いのようだ。戦死した次男の嫁が、仕事を休んで自分のアパートに泊めてくれる。故郷へ帰る途中、母が体調を崩し危篤の知らせが届く。長男・長女・次男の嫁が駆けつけるが、実子たちは葬儀用の喪服をちゃんと携え、場の空気を読まず現れる。次男の嫁は、そんなことは全く想定していなかったと後に語る。葬儀が終わると実子たちはあっさりと帰ってしまい、一人義父のもとに居残るのは次男の嫁だけ。義父はその光景を見て、何を思ったのだろうか。）
娘と息子が家庭を築くと、元の家族は次第に疎外されてしまう。家族の在り方と幸福の考え方は、静かな映画の中で丁寧に描かれていた。
大きな事件も起きず、どこにでもある家族の日常を切り取った日本映画の名作。家族だからこそ遠慮の壁が崩れ、時にイヤな一面も露わになるそんな現実を、絶妙な筆致で描き切っている。長女を演じる杉村春子の演技は圧巻で、彼女は助演女優賞を受賞した。文化勲章は辞退されたとのこと、日本のフランシスマクドーマンドと称されることもあるほどの評価を呼んだという。原節子がずっと張り付いた笑顔の中で、終盤に義父に涙を見せる瞬間はやはり見事。小道具や構図がすべて計算された撮影技術だとするなら、小津安二郎の才能は改めて凄まじい。
小津安二郎監督の『東京物語』は、私にとって初見でした。小津らしい抑制と静謐さを意識しつつ鑑賞を進めると、その穏やかな力強さに胸を打たれます。正直に言えば、国宝級の名作だと感じています。
この作品は、戦後日本で家族制度が機能を失いつつある時代背景の中で、ひとつの倫理的な風景を描き出します。尾道から東京へと移り住む老夫婦と、それを取り巻く子どもたちのやり取り。そのすれ違いは感情の対立というよりも、時代そのものの断層を映し出しているのです。親を思う気持ちは薄れていないのに、社会の速度がその思いを現実の時間へと結びつけられなくしている。
小津はこの作品で、家族を感情の場ではなく制度の崩壊点としてとらえ直します。長男と長女はそれぞれの生活の中で縛られ、老いを迎えた両親を受け入れなければならない義務に従います。しかしその義務の形骸化こそが、彼らの世代の宿命となっているのです。未亡人・紀子（原節子）は、血のつながりを超えて老夫婦を支え、寄り添います。理解と哀しみを共有することで、彼女は家族という語の失われた意味を、一瞬だけ取り戻します。
笠智衆の演技には、敗戦後の父性の終着形が浮かび上がります。彼は怒らず、抗わず、ただ受け入れる。沈黙のなかで世界の変化を全身で受け止める姿は、いまの日本人像の象徴に近い。原節子の紀子はその対極にありながら、同じ痛みを分かち合う存在です。彼女の柔らかな微笑みは赦しではなく、認識の証明です。
『東京物語』は感情を華やかに描く映画ではありません。老いること、愛が届かなくなること、生活が人を変えていくことこうした不可逆の運命を、平静な語り口で並べることで時代を映します。ドラマはなく、あるのは逃れ得ない人間の宿命だけです。
この作品を前にすると、私たちはもはや評論家の立場にはいられません。老夫婦の子として、紀子の時代感覚を生きる同時代人として、皆が同じ立場に立つからです。『東京物語』は国や時代を超えて、人間存在の構造を浮き彫りにする一冊の思想書のように、今も静かに私たちの前に現れ続けています。
久しぶりに観たが、全く飽きることなく楽しめた。
日常が淡々と流れていくだけなのに。
画面の緻密な美しさとそのテンポが印象的だ。
笠智衆や原節子などのキャラクターとの絶妙なハーモニー。
見事なバランスを保っているのかもしれない。
一見、良い人に見える原節子が演じる紀子も、「わたし歳をとらない事にしているんですの。」というセリフが示すように、少々手のかかるタイプの人物なのだろう。
あぁ、無常。小津安二郎は老いとすれ違いを通じて、時間の残酷さと温かさを静かな画面に描き出す。静けさの中に、ほんのりと寂しさが宿る。
近代化が進む東京では、人々は忙しく、心は冷たくなりがちだ。親子の情は確かに残っているが、生活のリズムと価値観はすれ違い、距離感だけが広がっていく。家族愛という普遍的なテーマを据えながらも、他の作品とは一線を画す深みを放つ。
「老いるということは、寂しいものじゃの」。小さな背中が、そう語っているようだ。
特別なことが起こるわけではないが、日常の中に潜む微かな心の動きを自然に描き出し、心温まる余韻を残す。登場人物ひとりひとりの仕草と所作は洗練されていて、美しさに満ちている。
画面の構図は急な切り替えや寄り・引きが少なく、人物へ視線をじっくりと集中させる静かな演出だ。しかしこの静かな映像美は、物語の中身の高さが支えとなって成立している。
そうだね、幸せそうでさ。
紀子さんの三部作の最終章は、花鳥風月のようなテンポだ。
まだ若いと言われて、『もう若くありません』と答えた後、でも『今はそうでも、だんだん年をとってくるとやっぱり一人では寂しい』と指摘され、私は『歳をとらないことにします』と決めている、というシーン。